作为享誉全球的舞蹈家、编舞家，沈伟还跨界绘画领域。不论舞蹈还是绘画，只是他伸向世界、理解世界的触角。一个人来到世界走这么一遭，总是需要在这场生命历程中解决自己和世界存在的关系。

他曾被《华盛顿时报》誉为“这个时代最伟大的艺术家之一”。作为享有国际声誉的编舞家、艺术家和导演，沈伟最为中国观众所熟知的是2008年他受邀为北京奥运会开幕式担任策划和《画卷》篇编导。他拿过国际舞蹈界“奥斯卡”之称的“尼金斯基奖”(2004年)和美国创造性人才最高奖“麦克·阿瑟天才奖”(2007年)，最近一个奖项是2018年约翰·洛克菲勒三世成就奖。过去十余年，沈伟连续不断地发表重要的原创作品，由此发展了名为“自然身体发展”的独特技术体系，这亦是他对当代舞蹈艺术界的重要贡献。

2018年9月25日-10月25日，沈伟的中国大陆首次艺术展——《沈伟：未知的探索》亮相上海当代艺术博物馆，展览试图通过多个维度，呈现和探索沈伟在舞台背后的视觉艺术创作。这些作品带观众亲历了他突破自我的轨迹，将对“未知”的探索融入当下时代的反思。

创作与我的关系

沈伟的父亲是当地湘剧团的导演，父亲在他很小的时候就非常注意培养他的艺术基础。9岁时，沈伟考进了湖南省艺术学校湘剧科，开始了为期6年的戏曲学习。正是这里的严格训练，为沈伟日后成为现代舞蹈家打下了坚实的基础。他从五六岁就开始画画，当时学的是中国画，同时吸取了西方绘画的精髓。对他影响很深的是达芬奇的素描，进而开始学习西方绘画。沈伟一直以为自己会成为一个画家，但是天性里头又特别喜欢跳舞，这两个爱好一直伴随着他一生的创作轨迹。

Q：你一炮走红，是2000年的作品《声希》，这个舞蹈作品的舞台背景是八大山人。当时，纽约的艺术评论家评价这部作品，它看起来不像是一个舞蹈作品，更像是一个画家把作品搬到了舞台。

A：当时，作为一个年轻人来说，最重要的能力就是学习，就应该学习前辈或者说历史留下来的知识。当我学到这些知识以后，不止是学到而已。不论是学舞蹈、学戏曲还是学画画，我都是一个好学而认真的学生，学到之后，我开始反思它会在我的生命历程中产生出什么？我怎么去消化它们，发扬它们。有时，进入学院派也是很危险的，可能会掉进去就出不来了。

这是当时我面临的最大问题，不论舞蹈、绘画还是我的创作思维，怎么才能找到我自己的存在性。直到2000年诞生了《声希》这部作品，我渐渐找到了自己的舞蹈语汇、我自己的审美意识，甚至我自己的表现形式。《声希》里没有固定的舞蹈动作，当时，很多人震惊了，原来舞蹈还可以这样去表现。它也改变了我在绘画上的创作思维，于是，开始打破那些条条框框，用我最直接的感官体验和个人认识来创作。从一笔开始，去找它的抽象意识、运动力和音乐感，去重新探讨自己的感受，如何去表现那些视觉形式，而不是单纯说画得怎么样，够不够漂亮。

Q：当时你的视觉艺术与舞蹈的结合，还只是在形式上以及舞台背景上。到了后来一部作品《天梯》，绘画变成了舞蹈的语言。可以这么说吗？

A：两部作品创作于同一年，我的舞蹈语汇还是很少，我喜欢研究自己的梦境，也写了很多诗，都是关于自己的梦境，不论绘画还是我的影像作品《四月》都是关于梦境的呈现。《天梯》这部作品出来后，美国舞蹈评论界哗然，不知道如何来形容它，到底是移动的画作，还是移动的雕塑作品？我觉得并不需要去框定它的类型，只要去体验我的语汇就可以了。

Q：你每次艺术创作上的转折，总超乎人们预料。在《连接转换》这部作品中，是舞蹈演员在舞蹈动作的过程中，手脚沾上了大量颜料在画布上留下痕迹。舞蹈结束时，一幅绘画作品已然完成。能不能讲一讲你当时的创作感受？

A：通过这部作品，我想探讨的是运动力和绘画的关系；从零开始，探讨创作与我的关系。当绘画从一笔开始，它是抽象的存在，并没有具象的造型，但并不等于它完全没有信息在里头。这一笔的快慢节奏，会影响这一笔的视觉造型；它的力量深浅，也会影响到其视觉造型。它让我一下子回到了小时候学习书法的感觉，通过自己的气韵和状态，来控制每一笔的形状。它与我的舞蹈关系紧密，我们很容易控制自己的身体，去往某一个状态。在《春之祭》这部作品中，我开始思考，如果不用传统方法把故事情节演出来，只去寻找音乐的质感、音乐的运动力、音乐本身存在的价值。对舞蹈演员来说，身体也会创造出与众不同的运动力，从简单的笔触，到音乐的配合，音乐影响了力量，力量影响了视觉。这个过程看起来很简单，却充满了更多层次。

人与自然的关系

《春之祭》是沈伟得到国际诸多赞誉的一部作品，这部作品撇开了叙事和情感因素，完全从音乐性着手，作品分成14个乐段，于是便有了14种跟其相对应的运动方式。这部作品完成后沈伟创作了一批绘画作品，每一幅作品都是一个形式，但最终呈现效果却迥然不同。沈伟说，每幅作品的背景音乐不同，是音乐最终赋予了绘画的运动力。这就是音乐和运动力之间的影响力。

Q：在这次展览中有一部影像作品《四月》，是你20年前的作品，这是第一次参展？

A：拍这部片子的时候，我在非常渺茫的状态里，当时是1995年，我刚到美国，那是上世纪90年代一个中国人在美国的状态。那个年代在美国几乎看不到中国人，就像《北京人在纽约》里的情形一样，只有你把在美国的整个生存系统搞定了，才能生存下来。一方面，我对艺术爱得不得了，但是生活上却很窘迫，充满了挣扎。那时，身体上我还刚刚经历了一场心脏手术。即便这种窘境之下，艺术的滋养远远大过生活对我的考验。四月是最难熬的时候，刚刚开春，乍暖还寒，人非常有创造力，但同时却充满了挣扎，我完全不知道未来会怎样。为什么这部片子我封存了20年，那是很私密的成长印记，反映了我最挣扎的状态。

Q：人与自然的关系，也常常成为你作品中传递的主线？

A：大自然对我来说，真的太重要了。我以前并不知道，只知道我喜欢在森林里，喜欢去往大海，去往大自然，它会让我心旷神怡。后来，我意识到这一辈子我们都在做一件事，我生出来就是我，我生长于大自然的空间里，这一辈子的过程，其实就是我与大自然的关系。有意思的一点是，我怎样生存于大自然里，它与我建立了非常重要的关系，在我的作品里、理念里以及生活里都很重要。大自然对于我来说，它有着自己的生命，有着自己的生命价值，哪怕一棵草、一个石头，都有自己的生命旅程，有自己的灵魂。大自然让你了解你自己，也了解生命历程的存在意义，生命力和你的关系。我觉得，我与大自然的关系，将是我一辈子的课题。

永无止境的迭代

此次展览中呈现的一系列无题画，曾在国外艺术圈享有盛誉，然而艺术的创造力如何更进一步呢？从2005年到2017年，再到2018年，这些无题绘画经历无数次的反思修改。沈伟一直在冲破藩篱，期待更深一层的思辨。沈伟说，绘画只是一种载体，让他可以认识到一些新的东西，从技术技巧、思维理念、人的感官、人生观上都会有一些转变才可以称为“变”，而不是说你技巧好了就可以变。

Q：2002年的作品《合与分》，舞者用身体作画。当时你已是非常著名的编舞家，你如何达到创作间的平衡？

A：表演艺术是一大群人一起工作的，每次一排舞，到了饱和的状态，我一定要远离人群，一个人离开，去往大自然。你需要有时间去思考，你过去或者将要面对的这个生命的意义在哪里？为什么要去做？是不是只是忙碌于下游，这非常重要。我很享受这种独立的状态，而不是孤独的状态。我整个生命过程都想探讨，这是一个持续不断的轨迹。不是你确立了一种风格，你就不断重复延续，保持人们的喜爱就够了。对我来说，整个生命旅程是一个认识的过程，到你临别那一天，你的认识如何更深刻，你来人间这一趟究竟会结出什么样的果实，这个过程，永远不应该有停顿。

Q：自然身体发展技巧，是你对国际当代艺术界的一个重要理论贡献，这是针对舞蹈的创作理论，但绘画好像也影响了你的创作。

A：我一直都说，“技巧到了”，这是成为艺术家的条件，但是比技巧更加重要的是这个艺术家的世界观和哲学思想的形成，这些才会真正影响到艺术的价值。我们一直可以说，我的技巧很好，这是技术技巧层面，对于艺术家而言，在某些方面他还应该是一个思想家。就好比中国传统文化里，通常艺术家越老造诣越高。这是因为，你在生命这么长的经历之后，你知道生命是怎么回事，自己的存在是怎么回事，你和这个世界的关系是怎么样的，进而形成自己的哲学思想。人生观的存在可能才是艺术家最终的艺术境界。说回到自然身体发展法，刚开始在技术层面，当我们身体的运动方式，以前是在芭蕾舞、中国戏曲，或者武术中得到的，它是在一定的历史背景下形成的。但对于我来说，跳起来就是舞蹈。我在考虑运动力的问题。作为一个东方人，我在中国接受戏曲教育那么多年，然后又学习西方舞蹈，其运动方法完全不一样，这是因为文化差异。一个人就是灵活的动物，两种方式我都擅长。从我的经验来说，生活在这个年代，运动方式混合了东方和西方两种方式，生命经验不同，认识也会有差异。最后我总结出的就是人最终是怎么运动的。我们重回到解剖学，从气到血的流动，关节的松弛以及运动方式等等，最后再到人和自然及宇宙的运动关系是什么，它进而影响了我的世界观。最终我发现，原来一切都是在追寻我和大自然的关系。