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2025年11月2日，舞台剧《繁花》终季首轮演出在美琪大戏院落幕，三季收官的大幕里藏着八年创作的沉淀与回响。从2017年建组，团队围坐研读原著时的热血澎湃，到三季演出的口碑发酵，从最初对文学经典的敬畏仰望，到如今与城市精神的深度共鸣，导演马俊丰带领团队完成的不仅是一场戏剧创作，更是一次跨越时光的上海文化探寻。而支撑这场漫长创作的，是他始终坚守的戏剧创作三个坐标——诚意、创意与诗意，三者交织共生，让金宇澄笔下的《繁花》在剧场里生长为映照上海过往与当下的鲜活图景，更让无数观众透过舞台读懂上海人的性格底色与城市的精神内核。
青年报记者 冷梅
诚意打底
以敬畏之心
与原著、城市深度对话
“舞台剧《繁花》的创作心路，更像融入生活的一部分，是我们一起奔赴热爱的旅程。”谈及八年创作历程，马俊丰的语气里满是笃定。对他而言，舞台剧《繁花》的创作起点从来不是商业考量，而是对原著小说的无限热爱，这份纯粹的热爱，正是他戏剧创作“诚意坐标”的核心底色。
早在筹备初期，他便带领团队开启了对原著的深度研读，反复通读小说数十遍，逐字逐句标注细节，甚至能精准指出不同版本中的错字。“我常跟金老师开玩笑，我可能比他的编辑还熟悉这本书。”马俊丰笑着说，这种极致的投入，源于对这部茅盾文学奖作品的敬畏，更源于对书中上海故事的深深着迷。
在马俊丰看来，诚意不仅是对原著的尊重，还有对城市与观众的真诚。演出过程中的持续打磨，更是诚意的直观体现。《繁花》第一季首演后，虽收获不少好评，但马俊丰并未停下调整的脚步，经过多轮打磨，删减多余桥段、优化台词表达、调整舞台节奏，让作品随团队对原著与城市的理解加深而不断成长。有观众时隔数年再看第一季演出，惊讶地发现剧情变化极大，马俊丰则坦言：“每一次排练都是一次新的解读，我们在成长，对城市的理解在深化，作品自然也要跟着迭代。”这份不敷衍、不将就的态度，让舞台剧《繁花》的豆瓣评分从首演时的7.3稳步上升至8.0以上，更收获了上海观众的认可与包容——“观众知道这部戏的创作不易，愿意陪着我们一起成长。”
创意赋能
以舞台巧思
串联时光与情感
如果说诚意是舞台剧《繁花》的创作根基，那么创意便是让这个文学IP落地舞台的关键密码。马俊丰擅长捕捉剧情内核与舞台形式的契合点，用独特的舞美设计与叙事手法，让文字中的上海故事转化为直观可感的舞台画面。每一季的舞台样式不拘一格，都与剧情情感高度呼应，成为叙事的重要延伸。
第一季的创作，马俊丰将核心定为“流动的盛宴”，聚焦时间的流转与生活的轮回。书中描写的吃饭、相聚、别离等日常场景，藏着人生的起起落落，如何在舞台上呈现这种时光流动感？创作团队设计了转台——以圆形转台搭建“人生圆盘”，演员在转台上演绎吃饭、聊天、工作等日常，转台缓缓转动，象征着时间不停流逝，人物在时光中相遇、相伴又分离。
这种设计不仅巧妙地呼应了“人生如圆，兜兜转转”的剧情内核，更成为戏剧学院舞美系的经典教学案例，被老师们用来讲解“如何让舞美服务于叙事”。马俊丰解释道：“创意不是凭空想象，而是要找到舞台形式与故事表达的契合点，让创意为剧情服务。”
除了舞美设计，该剧在剧情改编上也极具创意。《繁花》原著内容浩瀚，被马俊丰称作“1万个好故事奔向终点”，如何在有限的舞台时长里萃取精华？他提出“弱水三千，只取一瓢饮”的改编思路，聚焦阿宝、沪生、小毛等核心人物的命运轨迹，串联起上海不同年代的生活图景，既保留原著的精神内核，又符合舞台叙事逻辑。
“我们不想贪多求全，三季演出下来，已经足够把原著的精华传递给观众，明年还计划推出三季9小时的连续演出，让观众更完整地感受《繁花》的魅力。”马俊丰说，改编的过程也是与原著对话的过程，既要尊重原著，又要结合舞台特性进行创新，才能让这个文学IP在舞台上焕发新的生命力。
诗意落脚
以细腻笔触
读懂上海人与城市精神
如果说诚意是根基，创意是骨架，那么诗意便是舞台剧《繁花》的灵魂，藏在马俊丰对“上海精神”与人性温度的细腻捕捉里。作为北方来的新上海人，他没有本土导演的历史负担，观察视角更显自由、理性，却又能以感性的笔触捕捉上海的烟火诗意，读懂上海人的性格底色与城市的精神内核。
马俊丰对上海人的理解，始于书中1500个“不响”。最初，他作为北方人，很难理解上海人的“不响”，但在创作舞台剧《繁花》的过程中，他慢慢读懂了“不响”背后的深意：上海人的“不响”，不是冷漠，而是不善表达时的礼貌，是照顾他人感受的克制，是面对不确定时的中立选择。“有一次我邀请演员一起吃饭，大家都‘不响’，我以为他们不想去，后来才知道，有人是要陪女朋友，有人是怕自己先表态影响别人，看似沉默的背后，藏着对他人的尊重。”马俊丰笑着说，这种“不响”是上海人处世智慧的集中体现，更是上海人性格底色的独特印记。
在舞台上呈现“不响”，是马俊丰面临的一大难题。舞台讲究“有声有色”，沉默很容易让剧情断层，但他认为，“不响”背后的情感张力，远比语言更有力量。他通过演员的肢体动作、眼神交流与灯光氛围，将“不响”转化为直观的舞台语言。
“上海人的‘不响’，就像内心的一声巨响，表面平静，内里却藏着坚韧与温柔。”马俊丰用“藤条与钢管”比喻上海人与北方人的性格差异，北方人像钢管，宁折不弯；上海人像藤条，看似能弯曲妥协，实则坚韧不拔，松开后便能恢复笔直向上的姿态，这种特质在舞台剧《繁花》的人物身上体现得淋漓尽致，也藏着上海城市精神的内核。
除了上海人的性格底色，马俊丰更在创作中描摹出上海“生生不息、海纳百川”的城市精神。在他眼中，上海是一个“不断叠加的调色板”，新人旧人交替、新景旧貌更迭，每一层印记都构成独特的城市图景。
“上海是一座移民城市，有无数人来到这里，被城市滋养，又用自己的努力反哺城市，形成了个体与城市的共生关系。”他说，《繁花》中的人物，无论是阿宝、沪生，还是小毛，都藏着上海人对生活的热爱与对城市的眷恋，他们在时代浪潮中努力生长，就像上海这座城市一样，始终昂扬向上、生机勃勃。
更难得的是，马俊丰的创作让观众与城市产生了深度联系。“我们的故事在剧场里发酵，逐渐引导观众走向整个社会与城市，让大家更深入地了解上海，这是我最开心的事情。”马俊丰说，戏剧的意义不仅在于舞台上的演出，更在于演出结束后，能在观众心中留下回响，让观众在生活中感受到城市的温度与力量。
创作坚守
以三大坐标
续写上海文化叙事
八年《繁花》落幕，每个人都被这个“繁花小宇宙”深深滋养。此刻，马俊丰并未停下创作的脚步。在他看来，舞台剧《繁花》的创作不仅是一次艺术实践，更是一次上海文化的探寻之旅，而诚意、创意、诗意这三大创作坐标，将继续指引他未来的创作之路。
回顾自己的创作历程，马俊丰坦言，曾有过迷茫时刻。早年毕业后，他因热爱实验艺术创作了不少先锋戏剧，后来受到商业戏剧邀请，陷入了票房与口碑的旋涡，慢慢迷失了创作初心。“那时候，商业票房的成功让我飘飘然，却忽略了内心最纯真的创作热情，一度非常沮丧。”马俊丰说，幸好上海国际艺术节“扶青计划”在他迷茫时“拉了他一把”，允许他自由创作没有商业回报的实验作品，让他重新找回了创作的初心，也确定了自己今后的创作方向——艺术第一位，真诚表达内心的想法。
如今，马俊丰不仅是“扶青计划”的受益者，更是“扶青计划”的推荐官与评审，开始反哺上海国际艺术节“扶青计划”。在扶持青年艺术家的过程中，他始终强调“创作者与作品的契合度”。“青年工作者最重要的是面对自己的内心，永远艺术第一位。不要为了热门话题投机创作，只有对主题有真诚的表达欲望，才能创作出有力量的作品。”他说，这是创作的不二法门，也是他自己唯一一条行走的路。
而对上海题材的创作，马俊丰更是充满热情与期待。此前，他执导的《前哨》讲述20世纪30年代上海的革命故事，《同学少年》聚焦20世纪50年代上海的青年成长，加上《繁花》覆盖的20世纪六七十年代与90年代，他正以作品打通上海的历史脉络。“我积累了越来越多对上海的理性与感性认知，还有一个小小的文件库，收集了全世界艺术家对上海的演绎，这些都是我的创作素材。”
马俊丰说，上海是一座不断生长的城市，每天都有新的故事发生。作为青年舞台工作者，身处上海，倍感庆幸。虽然《繁花》的舞台故事落幕了，但《繁花》所传递的“上海精神”与城市温度，会在观众心中长久流淌，而他与上海的文化对话，才刚刚开始。
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