上海文化Talk｜潘熠文：百岁“天蟾”，好戏要再唱100年

2026-03-13 文教 

青年报·青春上海记者郦亮/文常鑫/图、视频

这些日子，上海因为一座剧场而多了几分荣光。天蟾逸夫舞台现址设立100年，天蟾品牌诞生110周年，百岁“天蟾”是足以让这座城市为之骄傲的存在。当然，这番纪念看着并不像是一个总结，而是一次重启。当“天蟾”喊出“好戏再唱100年”的时候，人们好奇的是，这样一个在中国戏曲史上留下深刻印记的剧场，如何面向未来，开创未来。本期上海文化Talk，青年报·青春上海记者深度对话天蟾逸夫舞台总经理潘熠文，这位老资历的年轻的当家人，对于“天蟾”的历史和未来有着自己清晰冷静的理解。

“远东第一剧场”不仅有规模，也有“场域”

青年报·青春上海：2026年是天蟾舞台现址设立100周年，天蟾品牌诞生110周年，“天蟾”何来，请谈一谈缘起好吗？

潘熠文：我们一直有“老天蟾”和“新天蟾”之说。所谓“老天蟾”，旧址在现在南京东路的七重天宾馆。1916年，也就是110年前，当时上海滩最有名的京剧剧场叫“丹桂第一台”，由许少卿集资创立。后来许少卿另立门户，想要再做一个压过“丹桂第一台”的剧场，就取名“天蟾”，因为典故里说“月精蟾蜍折桂枝”。没想到“天蟾”一叫，到现在就110年了。

到了1925年，在天蟾逸夫舞台现址就开始建造一个新的剧场，当时叫“大新舞台”，该剧场在1926年的2月6号开台。从1926年到1930年，“大新舞台”改过很多名字，但经营情况一般。也正巧，1930年“老天蟾”已由顾竹轩接手经营了，当时“老天蟾”地租到期，他要寻找新的地方。于是就把整个天蟾舞台所有人马整体迁移到了现在这个地方。所以从1930年开始，我们这里就叫“天蟾舞台”，也就是“新天蟾”了。

我们今天看到的天蟾逸夫舞台其实是1994年改建的，虽然变化不小，但仍保留了1926年时旧建筑的一部分，很多百年前的东西，我们现在还在用。

青年报·青春上海：在您看来，天蟾逸夫舞台当年到底凭借什么成为“远东第一剧场”？

潘熠文：当时对于天蟾舞台的赞誉主要有两句话，一个叫“远东第一大剧场”，还有一个叫“不进天蟾不成角儿”。后面一句比较好理解，就是所有的角儿都必须在“天蟾”唱红了，得到了上海观众的认可，才能够真正成为角儿。不光是京剧的角儿，各个戏曲剧种，一定要在上海，在“天蟾”得到观众的认可才行。

至于 “远东第一大剧场”，当时的剧场的恢弘，现在已经看不到了。当时的“天蟾”有3900个座位（现在的上海大剧院也不过1600个座位），4层楼，这个是一个很难以想象的规模。据一些老同志回忆，当时在剧场看戏，坐在三、四楼就只能看到演员的头顶。这规模也折射出当时上海戏曲的兴盛。这么多的座位，各个社会阶层的人士都能容纳，不分皇亲贵戚、凡夫走卒，上到达官贵人，下到黄包车夫，都能够在这个剧场获得文化上的满足。这就是所谓“天蟾”的“场域”吧。

“不进天蟾不成角儿”这句话到现在已经100年了，依然有效。对于上海的青年演员来说，他们非常希望登上天蟾逸夫舞台进行演出，对于外地演员就更是如此了。他们以走进上海为荣，以登上“天蟾”为荣。

奇妙的“捧角”机制源于上海人的宽待和包容

青年报·青春上海：还是来讲一讲“不进天蟾不成名”这句话。我们知道，很多大家名角都是在天蟾舞台上成名，为戏迷所熟知认可。在您看来，当时中国戏院千千万，为什么唯独天蟾能够扮演这样一个角色？

潘熠文：很多史料我研究得也不够详尽，如果将来有机会请这方面的专家来讲也许更好。但我可以说的一点是，从梅兰芳到周信芳，当时京剧的四大名旦、四大须生，确实都是在“天蟾”唱红，然后影响到全国的。当时的“天蟾”名家荟萃，比如说今天梅兰芳唱好，明天程砚秋来唱，程砚秋唱好，后天荀慧生来唱，就是这么一个热闹的场景。

1926年我们开台的时候，就是荀慧生来一起揭幕的。我们的剧场和这些角儿的关系，真的就是“你中有我，我中有你”，互相扶持，互相依托，谁也离不开谁。今天的演员则更是如此。不管是“梅花奖”也好，“白玉兰奖”也好，很多作品都是在“天蟾”接受观众的检验。我们每年承担来自全国各地参评“白玉兰奖”的戏曲演出的比重是非常大的，可能要占到50%以上。所有戏曲院团和演员，他们来上海演出的首选一定是“天蟾”。这就是“天蟾”百年底蕴的魅力所在。

青年报·青春上海：我们认为“天蟾”拥有一套神奇的“捧角”的机制，用现在的话说，就是发现人才和培养人才，“天蟾”到底是怎么做的？

潘熠文：前面讲到“天蟾”的“场域”。这其实就是一个剧场和一座城市关系的问题。上海这座城市，对于戏曲演员是非常宽容的，总是给予肯定和赞赏。经常会有人说“到天津戏难唱”，因为天津观众很懂戏，唱错了，他不惯着你。但在上海，这一点就不太一样。无论是什么阶层的人士，他们坐在“天蟾”里，对于外来的演员都是很欢迎的。我们经常说“外来的和尚好念经”，一个外地的演员，“天蟾”的观众总是给予热情，这种热情往往高于对上海本地差不多水准的演员。

即使演员在台上有一些做的不是太到位的，比方说一些武戏，他可能出手掉了等等，“天蟾”的观众也会给予鼓励。在观众这样的包容之下，演员来上海演出就觉得心里特别的踏实。所以我觉得还是上海这座城市培育了上海这样的观众，这些观众走进了剧场，然后和剧场一起给了演员更多的肯定、鼓励、支持，也促使得演员能够一步一步地持续往前走。

城市的托举让“天蟾”获得“长寿基因”

青年报·青春上海：您曾经说过，天蟾之所以在中国戏曲史上留下浓墨重彩的一笔，除了好戏名角之外，还有其“精神底色”的因素在，可以具体谈一谈吗？

潘熠文：天蟾逸夫舞台作为城市的一部分，一直发挥着剧场应该承担的文化责任。在历史进程当中的每一环节，它都深深地参与其中。

这100年是时代剧变的100年。“天蟾”一直以这个城市主人的身份参与其中，它从来没和这个城市脱过节，没有离开过人民的视线。我觉得可以这样说，就是“天蟾”并非有些剧场，建好之后的100年没有发过任何声音，就好像消失了一样，然后突然100年之后把它重新修一修，它又开始了。尽管建筑还是那个样子，但文脉是断掉了。“天蟾”不是这样。“天蟾”的文脉从未断过。有些事情是一个潜移默化的过程，大家口口相传，从祖辈到父辈再到自己，这样的经历过来，就形成了一种共同的记忆，或者说是一种文化的烙印。“天蟾”就是这样的一个文化烙印，在所有人的印象里，“天蟾”是一个演戏的地方，在上海看戏，第一想到的就是“天蟾”。

2018年开始，我们进行了一次比较大的修缮，应该是从1994年我们改造之后最大的一次修缮。包括我们现在所在的多功能厅，都是修缮之后的产物。在疫情过后，天蟾逸夫舞台马上迎来了演出的高潮。上海本身就是一个海纳百川的城市，而戏曲演出是需要交流的，需要我们的艺术家走出去，需要外地的艺术家走进来，所以我觉得在这几年当中，我们很好地扮演了这样一个角色。

青年报·青春上海：百岁天蟾舞台应该算是长寿的了。您觉得天蟾的“长寿基因”主要有哪些？

潘熠文：我有一个观点就是可能在我们看来一场非常普通的演出，但是对于演出团，对于这个演员个人，对于某一位观众他都是弥足珍贵的，他可能都是唯一的，所以我们不能轻视任何一场演出。这是我们“天蟾”的一种贯穿了100年的态度。

说到“长寿基因”，我经常说的这两句话就是“为民而歌，歌民所歌”，就是以人民为中心，我们“天蟾”从未离开过人民，从未离开过观众，从未离开过院团和艺术家，我们是为他们服务的。这100年其实要说有什么特别之处，就是我们一直在坚持这一点。如果让我说我们的核心竞争力，那就是天时地利人和。“天时”就是这100年的历史，悠久历史的传承；“地利”就是我们有非常好的地理位置，这对一个剧场来说至关重要；“人和”就是这些年我们和上级单位上海京剧院形成了一种“场团合一，双向奔赴”的共赢。对于上海京剧院来说，他们有了一个文化演出的主阵地，而对天蟾来说，我们背靠京剧院，能确保自己的定位不发生偏差，并且可以获得大力支持。

青年报·青春上海：天蟾舞台100岁了。作为今天的当家人，回望这百年历史，您觉得“天蟾”给中国戏曲史留下的最重要的经验是什么？请举例说明。

潘熠文：最重要的经验可能就是一种传承。舞台上需要传承，舞台下也需要传承。观众也需要传承，一代一代的观众。我们这里经常会有一些观众，他从小是爷爷带着来看戏的，到他这一辈，他又来看。可能第一次走进剧场，不知道该怎么喝彩，不知道该怎么叫好，也看不懂，然后就跟着周围的人，第一次可能就在那看，不敢鼓掌，第二次敢鼓掌了，第三次就敢叫好了。这种传承是观众之间的传承，这对于一个剧场来说，它必须要有足够悠久的历史，一代代传下来。

互联网时代，把青年人吸引进剧场是一个重大课题

青年报·青春上海：现在的青年人天生具有互联网基因，做什么事都在网上，很少到剧场看戏。作为一个百年剧场，“天蟾”如何吸引更多青年人走进剧场，走近戏曲？

潘熠文：我觉得当下青年人的选择非常多，但是从我们在剧场里看到的情况来说，特别是京剧和昆剧，现在的观众几乎全是青年人。这和我20多年前刚进剧场工作时不一样。那时都是老年人，都是白发，现在则几乎都是黑发。我非常感谢互联网对传统艺术，包括对戏曲艺术传播所发挥的作用。现在青年人接触社会的方式主要是来源于互联网，他们获得严肃知识的途径，也主要是互联网，所以说互联网的功劳很大。

当然，即便用互联网传播了，如果青年人不喜欢，也没有用，所以关键是我们的传统文化，特别是我们的戏曲，要牢牢抓住青年人的心。我可以非常自信的告诉你，中国的戏曲艺术，就舞台表现形式来说，它依然是最佳的表演方式，它依然是那颗皇冠上的明珠，它的综合性，它的城市化，它传递的中国人的共有的情感，依然是最好的方式。没有平替。但是就看戏这件事来说，不能只在互联网上看，还需要走进剧场看一看。剧场是一个场域，也是一个文化空间，我们剧场经营者就应该思考，如何对青年人去进行引导，吸引他们走进来，这是我们的责任。

今年我们会开展一系列纪念天蟾百年系列活动，要进行各种破圈。现在所有人都在说“破圈”，到底什么是破圈？破圈了之后怎么办？我不认为青年人走进了剧场就是破圈。要让走进剧场成为青年人的一种生活习惯。现在很多青年人他不是不愿意走进剧场，而是他没有养成走进剧场看戏的生活习惯。看戏没成为他生活当中一件像吃饭、喝奶茶、看电影那么平常的事情。一旦他做到了这一点，我相信青年观众的增长会非常迅速。这也是我们剧场要努力攻克的难题。

青年报·青春上海：近年天蟾逸夫舞台在破圈和吸引青年观众方面，到底作了尝试和突破？

潘熠文：我们将来的剧场会有4个定位，一个是戏曲剧场的示范者，一个是戏曲演出的发起者，一个是戏曲品牌的拓展者，还有一个是戏曲生态的建设者。其中特别是戏曲品牌的拓展者这一点，我们针对青年人作了很多尝试。我们有很多大家喜欢的文创，比方说我们去年做了一个绿马，其实是《锁麟囊》里的一个道具。我们今年也会做很多的视频，通过多媒体去放一些青年人喜爱看的东西。我们还有一些场地可以提供给青年人，让他们来这里分享他们眼中的戏曲是什么样子，形成一个交流和分享的氛围。戏曲只有让青年人参与进来，才可能持续发展。

百岁“天蟾”将成为一个面向未来的剧场

青年报·青春上海：100岁“天蟾”的新生代接班人怎么培养？有什么青年骨干？是否带来应对新时代的运营新观念、新做法？

潘熠文：我主持天蟾逸夫舞台工作已经11年了。2015年那个时候我面临的最大问题就是新老交替。当时一批老员工到龄，差不多在同一年退休，而且这是断层式的，他们退休之后，剩下的就直接跳到三十几岁了，这给我们的经营和管理造成了非常大的压力。所以在后面的工作当中，我特别注意培养青年一代。从2021年重新开台之后，我统计了一下，到今年一共5年时间，我们大概前后进来了二十几位年轻人，我们一共才40位员工。我非常有意识地在做这件事情。我经常和我们的管理层说，我们团队的平均年龄应该拿我们的服务对象作为标准。如果我们希望服务的观众，他的平均年龄是三四十岁，我们团队的平均年龄也应该和他们接近，特别是一线的，否则观众想要的你满足不了，因为你不知道他想要什么。

未来剧场的竞争还是人的竞争。“天蟾”要好戏再唱下一个100年，靠的是人。我经常说两句话，一个叫不走封闭僵化的老路，一个叫不走改旗易帜的邪路。坚持定位是毫无疑问的，我相信我们以目前天蟾的所有员工的共识，我不太担心，但是坚守好之余，我们还是得要突破，这个就需要青年人的加入。

青年报·青春上海：对于天蟾逸夫舞台未来的剧场定位、运营方式、硬件升级等，您有哪些思考？在您看来，一个属于未来的剧场应该是什么样的？

潘熠文：先回答第一个问题。我们主要是抓两点，一个是提升观众的观影体验，一个是提升表演者的表演体验。我们把所有的工作牢牢按这两个体验的标准去对标，只要是能够提升体验的，我们都做。比方说我们在这次的修缮过程中，我们花了很多心思在我们自己的舞台设备上，比方说我们的音响设备，因为这个剧场是老建筑，有很多客观的条件没有办法改变，即便如此，我们依然通过设备后续的调节，使它的音色状态、声音的效果达到最好。

关于第二个问题，“天蟾”的未来，我觉得最关键的就是两个字——“品牌”。如果只是固守在一个剧场，那局限性是很大的。比方说我们剧场比较小，中型剧目可能还可以，但大型剧目它就装不进来。我们觉得未来我们不一定非要在自己的剧场，我们可以做戏曲生态的建设者，只要是对于建设戏曲生态有益的，我们都愿意做。因为把生态和市场做好了，将来我们都是最大的受益者。

只要把“天蟾”品牌做好做响，将来有很多演出，我们可以在其他剧场去做。我们甚至也可以有品牌输出，比如到外地去演出，用的是“天蟾”的品牌，由“天蟾”主办。我想我们可以尽可能地去展开想象，然后去实施。毕竟，“天蟾”和观众，和这座城市有着跨越100年的深厚渊源。